Dois métodos para um desenho preciso

Aprenda o quê, como e porquê por trás de dois métodos de desenho consagrados pelo tempo: tamanho à vista e comparativo.

Por Juliette Aristides

Esses alunos do Charles H. Cecil Studios em Florença, Itália, estão usando o método de desenho à vista. O molde e a superfície do papel são colocados um ao lado do outro em posições fixas e, neste caso, o desenho e o molde são do mesmo tamanho tanto física quanto visualmente. Os alunos recuam para olhar, passando os olhos do gesso para o desenho a fim de encontrar erros e, em seguida, caminham até o papel para desenhar ou fazer correções. O truque é não olhar para o elenco perto do desenho, o que mudaria o ângulo de visão.

O método de desenho à vista

Simplificando, o método do tamanho da visão é a prática de pintar ou desenhar na mesma escala em que seus olhos veem o objeto. Quando você olha para o objeto e o desenho, eles devem ter o mesmo tamanho. Frequentemente, os artistas praticam o método do tamanho de visão colocando sua superfície diretamente ao lado do objeto e desenhando o objeto em tamanho real. (No entanto, os desenhos em tamanho visual não precisam ser em tamanho real.) Se o artista posicionar o cavalete entre ele e o objeto, a representação do objeto será correspondentemente menor na superfície do desenho ou da pintura. Artistas famosos ao longo da história, incluindo virtuosos como o pintor escocês Henry Raeburn e o pintor americano John Singer Sargent , usaram o método de desenho à vista.

Assunto e superfície

Vamos examinar uma configuração típica de tamanho de visão – colocar o cavalete próximo ao objeto. Idealmente, você deseja que a mesma luz ilumine o assunto e a superfície. Sua superfície deve estar o mais verticalmente possível no cavalete, formando um plano plano ao lado do objeto. Em seguida, determine sua posição em pé ou de visualização. Isso deve ser cerca de três vezes mais distante do assunto do que o assunto está alto. Por exemplo, se você está desenhando um molde de gesso de 30 centímetros, pode recuar cerca de um metro. Mas esta não é uma regra rígida.

Basicamente, você deseja ser capaz de ver todo o assunto e desenhar ao mesmo tempo, sem virar a cabeça. Você marcaria a colocação de seus pés com fita adesiva. Na verdade, também é importante marcar as posições do seu tema e cavalete para que você possa configurar tudo exatamente da mesma forma durante cada sessão de desenho ou pintura. Melhor ainda, deixe toda a configuração intacta até terminar a imagem.

Um piscar de olhos

Usando essa configuração, você se afasta para ver o objeto e caminha até a superfície para desenhar ou pintar. Use um fio de prumo (segurando-o horizontalmente) para traçar o posicionamento da parte superior e inferior do desenho em relação ao objeto. Concentre-se nas medidas gerais e no posicionamento do assunto. Em seguida, você prossegue para encontrar outras medidas e ângulos diretamente do objeto. O tamanho da visão é um método de desenho estritamente observacional; ele progride movendo seu olho entre o assunto e o desenho. Se você já procurou as diferenças entre duas imagens lado a lado, você entende o processo de correção que ocorre quando você faz uma varredura rápida entre o assunto e o desenho para ver o que não é igual.

Este método de desenho pode parecer um pouco complicado na primeira vez que você tenta, mas, com o tempo, se torna natural.


Esta aluna está usando o método comparativo para sua pintura. A modelo está afastada do cavalete e a artista simplesmente vira a cabeça para olhar da tela para a modelo. A artista está pintando o tema consideravelmente menor do que a modelo parece a seus olhos.

O Método de Desenho Comparativo

Os desenhos comparativos podem ter qualquer tamanho, independentemente da distância da superfície do objeto. O tema pode ser um jarro de leite e você pode desenhá-lo do tamanho de uma pessoa. Ou pode ser uma figura inteira desenhada para o tamanho de sua mão. Em ambos os casos, um desenho comparativo não depende de uma escala um-para-um entre o seu desenho e o assunto, visto por seus olhos.

Em outras palavras, as medidas não são citadas diretamente do sujeito para o papel; em vez disso, o desenho recria um conjunto crível de relações que refletem o assunto. Você cria seu desenho por um conjunto de comparações, como unidades de medida geradas de dentro do assunto. Por exemplo, se seu modelo sentado mede três cabeças de altura, a proporção em seu desenho seria a mesma. Ou, se estiver usando um fio de prumo, o lado da cabeça está diretamente sobre a parte interna do tornozelo, seu desenho teria o mesmo alinhamento.

De dentro para fora

Este método de desenho às vezes é chamado de “trabalho de dentro para fora” porque o contorno é frequentemente encontrado mais tarde no processo. O artista tenta transmitir os aspetos essenciais da pose. Encontrar movimento por meio de um design forte é tão importante neste estilo de desenho quanto a fidelidade à natureza. O desenho estrutural se preocupa com os blocos de construção internos de um assunto. Isso inclui marcos criados pela estrutura óssea, outras considerações anatômicas, grandes volumes e aspetos do design, como linhas direcionais.

Nessa abordagem, o artista geralmente fica de pé ou senta-se diretamente atrás do cavalete; e o cavalete está ligeiramente inclinado em relação ao objeto. Isso permite que o artista vire a cabeça, olhando do papel para o tema, que pode ser movido à vontade; uma vez que o artista está se concentrando em design, gesto e volume, pequenas mudanças no contorno da pose não necessariamente prejudicarão nada de essencial.

Ao desenhar comparativamente, você deve estar atento ao posicionamento preciso de suas linhas. Hastes retas ou espetos são ferramentas comuns para posicionar e verificar os ângulos e medidas. Um fio de prumo é bom para verificar o alinhamento das partes superior e inferior do desenho.

Reconstruindo a realidade

Uma certa compreensão da anatomia frequentemente entra em jogo, permitindo aos artistas informar o que veem com o que sabem. O conhecimento da estrutura óssea ajuda o artista a localizar marcos esqueléticos. O conhecimento da musculatura pode ajudar o artista a escolher o que enfatizar ou minimizar para transmitir a dinâmica de uma pose. A maioria das figuras ou rostos são suaves e mal definidos. Portanto, sem algum conhecimento de anatomia, pode ser difícil entender o que você está vendo.

Pense no método de desenho comparativo como uma receita contendo muitos ingredientes, desde linhas direcionais lúdicas e gestos até anatomia e proporções medidas. Os artistas geralmente procuram o gesto para encontrar a atitude da pose em sua essência. Eles estão menos preocupados com o contorno, em oposição às linhas estruturais que são usadas para criar uma sensação de verossimilhança. Há uma reconstrução da realidade, em vez de uma relação um-para-um com o sujeito.

Transcrição vs. Tradução

Quais são as respetivas vantagens e desvantagens do tamanho de visão e dos métodos comparativos de desenho?

Há vantagens em ambos os métodos de desenho, bem como pontos de sobreposição. O método do tamanho à vista é mais uma transcrição, enquanto o método comparativo é uma tradução. Cada método tem seus marcadores estilísticos de identificação exclusivos. No entanto, ambos geralmente começam com algum tipo de bloqueio para geralmente colocar o assunto na página.

O tamanho da visão tem um naturalismo maravilhoso. As imagens resultantes podem ser pictóricas, com ênfase em grandes planos de luz e amplas formas de valor. Um fluxo de luz transmitindo um realismo misterioso e um foco no grande efeito indicam que o artista viu o objeto inteiramente e à distância. A desvantagem desse método de desenho é que o artista está travado firmemente em uma posição fixa. Ele ou ela é completamente dependente de uma transcrição direta da natureza, sem distorção, ênfase ou interpretação intencional.

O desenho comparativo pode ter energia – uma qualidade estrutural e plana que é tridimensional em sua construção. O desenho da forma é muitas vezes baseado quase tanto na compreensão intelectual do assunto quanto na observação direta da vida, tornando-se um registro único da opinião de um artista. O artista deve ter uma compreensão sofisticada da mecânica do desenho para atingir o naturalismo; caso contrário, as proporções podem ser facilmente distorcidas e o estilo artificial. O artista também deve se lembrar de dar um passo para trás e captar o grande efeito, em vez de se fixar em pequenas áreas de foco, resultando em uma abordagem fragmentada. É importante manter áreas específicas relacionadas ao desenho como um todo.

Ambos os métodos de desenho têm seus praticantes, e cada abordagem foi usada para criar desenhos excepcionais.


Juliette Aristides é professora do programa Aristides Atelier na Gage Academy of Art em Seattle. Ela também é autora de Lições de Pintura Clássica: Técnicas Essenciais de Dentro do Atelier .

Fonte: Artists Network

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